10.10.07

Madeleine Peyroux / Half the Perfect World. Rounder - Universal, 2006


Madeleine Peyroux nació en 1974 en Athens, Georgia en Estados Unidos, una pequeña y acogedora ciudad universitaria que queda como a una hora de Atlanta. Creció en Nueva York, hasta que se mudó a Paris en donde a los quince años empezó su carrera artística profesional. Empezó interpretando con The Lost Wandering Blues and Jazz Band música del estilo de Fats Waller, Billie Holiday y Ella Fiztgerald, por Europa

Su voz tiene ese toque nostálgico y dulzura parecidos a los de Billie Holiday, de hecho, se reseña que es impresionante el parecido e incluso alguna gente habla de ser la sucesora. En 1996, lanza el disco Dreamland en el cual se mezclan aires de jazz, blues, un poco de folk del sur de los Estados Unidos, y hasta encontramos una versión muy muy parisina de La Vie en Rose. En este primer trabajo me da la sensación de una Peyroux explorando su estilo musical, y es evidente que le ajusta perfecto el jazz y el blues.

Imaginen encendiendo una radio, hace unos treinta años, en una mecedora en el porche de una casa en cualquier sitio. La voz de Peyroux traslada fácilmente esa sensación de los scratches de los discos de carbón o acetato.

Desde 1996, Dreamland le abre puertas para colaborar con una serie de artistas, entre ellos Sarah Mclahlan. De todas formas, mantiene un bajo perfil y casi desaparece hasta que en el 2002, lanza al mercado su segundo disco, Careless Love. En este segundo disco se nota un mejor trabajo, con una orientación mucho más definida y madura con mejores arreglos. Los toques de blues y jazz la confirman como una vocalista con mucho futuro en el género, en donde de cierta manera, empiezan a aparecer una serie de intérpretes orientadas a un mismo segmento de mercado. Peyroux, a mi parecer, se mantiene mas fiel a la música como arte y no como producto. Y por eso es tranquilizador que aparezcan más exponentes como ella.

Ya en el año 2006, aparece el disco Half the Perfect World, mi favorito de los tres con los que cuenta en su carrera. En este disco, se aventura a interpretar covers de leyendas de la música como Tom Waits, Leonard Cohen. Serge Gainsbourg y Joni Mitchel. Hace una vez más uso de su impecable francés, para regalarnos una versión preciosa de La Javanaise. También aparecen en este disco, temas de su autoría.

Mis temas favoritos del disco son I’m All Right, Half the Perfect World, La Javanaise, Once in a While. Los arreglos son impecables y mantienen ese signo de Peyroux, con el uso de guitarras. La acompaña K.D. Lang en la interpretación del cover River.

No se la pierdan, en la página web de la artista (www.madeleinepeyroux.com) se pueden escuchar sus tres discos con una excelente calidad de audio, y juzguen ustedes mismos esta recomendación.
CRG

4.9.07

Sidestepper, Continental - Sony 2006


Richard Blair es el cerebro de esta agrupación con base en Colombia. El productor británico formo parte del sello disquero Real World dirigido por Peter Gabriel. Fue justamente en uno de los proyectos de ese sello en Colombia, que Blair decidió quedarse un tiempo más en ese país para adentrarse en las posibilidades que la cumbia, la salsa y el vallenato le ofrecían.

Conocí a este grupo a través de Juan Camilo, me pasó el disco 3 am (in beats we trust) que apareció en el año 2003, teniendo como antecesor a More Grip (2000). Ese primer disco debe ser con seguridad de los primeros intentos de fusión de música electrónica con música tradicional colombiana. Y los resultados, interesantísimos. Si bien no conozco muy bien el primer disco salvo por una canción escuchada rápidamente, su segundo disco presenta una muestra de canciones con influencias de vallenato, pero con fuertes trazos de dub. Si bien me gustó, llegó a cansarme pronto ya que los ritmos eran muy repetitivos.

Claro, al respecto muchos me podrán decir que la música electrónica es esencialmente repetitiva… si, si, la cuestión acá es que los loops no tenían esa “sangre liviana” tan necesaria para que uno no acabe por adelantar una a una las canciones del disco hasta que se acabe y guardarlo en la caja.

Cuando vi el álbum Continental en la tienda de discos recordé esa primera experiencia, sin embargo el arte del disco me atrajo mucho. Además, tenía que hacer tiempo así que pedí que me lo pongan para escucharlo. La sorpresa fue muy grata. Es un disco que suena más latino, el mismo Blair cuenta en una entrevista que el disco es el más “colombiano” de todos los anteriores.
Los temas son lindísimos. El personal del disco es de altísima calidad, y es una experimentación muy madura de música electrónica en un mundo en el cual la arrejuntada de este género con música latina esta en boga. Este es un proyecto de vale la pena escuchar. No todos lo logran, claro está. Pero Sidestepper nos regala una maravilla de disco en el cual todos sus temas se pueden disfrutar sin apuro, con la bebida de su preferencia en un silloncito bien cómodo, acompañado de amigos.

Según lo que pude ver en su sitio web (www.sidestepper.com), lastimosamente solo se lo consigue en Colombia, aunque me encontré un site de música en Colombia donde lo envían al extranjero. O claro, mejor aún, visiten al bello país de Colombia y a su veloz Bogotá donde lo encontrarán con toda seguridad.
CRG

3.9.07

Zuco 103


Descubierto de camino a un restaurante con Diego y Rebeca, Zuco 103 es una de las propuestas más innovadoras y sólidas que he podido escuchar. Llegó menos mal, luego de que me había cansado de las cientas de versiones de Corcovado o Garota de Ipanema de esas tristes compilaciones de música lounge, que lastimosamente son lo único que se encuentra en las tiendas de discos de Ecuador (bienaventurados todos aquellos los países que tienen tiendas de música que ofrecen algo mas que Shakira, reguetón, Luis Miguel y similares productos).

Este trío se formó juntando a Stefan Kruger (Holandés), Stefan Schmid (Alemania) y Lilian Vieira (Brasil). Vieira, a su llegada a Holanda al fines de los años ochenta para estudios de canto, consolidó esa saudade brasilera renovándola con un ánimo experimental. Kruger y Schmid fueron los arquitectos que se unieron a esta idea para establecer uno de los proyectos innovadores de música con los que me he topado. La belleza inconfundible de la bossa nova, con variante de electrónica estilo tecno, lounge y drum n’ bass. El resultado: un género que algunos denominan brazilectro.

Si bien Vieira admite que la música de Zuco 103 es mas bien europea, los ritmos brasileros son la nota recurrente. El objetivo de la banda es el experimentar y explorar las alternativas que la música electrónica y dance pueden dar. Por eso, una de las características de este grupo es su incesante innovación, lo cual se demuestra en sus discos. La progresión y búsqueda es evidente y el toque de Vieira con su voz es inigualable.

Zuco 103 tiene como sello disquero a Ziriguiboom, conocido por ser uno de los más emblemáticos en cuanto a la difusión y producción de artistas brasileros o de música brasilera (Bebel Gilberto trabaja con esta casa disquera también). Sin temor a equivocarme, se puede decir que este sello disquero tiene lo mejor de la música brasilera. Zuco 103 tiene a su haber hasta la fecha cinco álbumes, todos con excelentes críticas. En 1999 hacen su debut con el inigualable (a mi parecer) Outro Lado. Es un disco en el cual la banda nos abre las puertas a un nuevo estilo, nos presenta la calidad de sus arreglos y la belleza de la voz de la interprete. Les garantizo que a los amantes del género, si lo escuchan, es un amor a primera vista (aquellos que lo saben podrán corroborar mi versión). Luego le sigue la compilación de remixes The Other Side of Outro Lado del 2001.
Vuelven a estudio y luego de tres años (2002) el disco Tales of High Fever, seguido de una álbum con versiones remixed y acústicas de sus temas denominado One Down, One Up en el 2003. Su última producción data del año 2005, se llama Whaa! . Esta última la más cercana al Brasil en cuanto al empleo de ritmos, acercándose más a la samba y lo afro que los anteriores álbumes.
No se arrepentirán de escuchar esta joya si son amantes del un-jazz, electrónica y lounge. Zuco 103 les dará una inyección de deliciosa música brasilera para gozar y bailarla como con Zambumba No Mar, Maracatú Atómico, Outro Lado. Y claro, si los gustos van más hacia lo tranquilo, cuando escuchen Fome Total, Get Urself 2gether van a... bueno, ¡Mejor me lo cuentan ustedes!


CRG

28.8.07

NIña Pastori, Joyas Propias. Sony BMG, 2007


Niña Pastori
Joyas Propias
2007, Sony

El flamenco en un género complejo y enorme. Se podría comparar quizá a saber de vinos. Es un tema que requiere no solo curiosidad sino que además requiere de mucha investigación y lectura si uno quiere enterarse de que va, además, claro está, que le guste este tipo de música.

Debo admitir que salvo por unas cuantas cosas que Max me ha pasado de Camarón de la Isla, un concierto y varios discos de Paco de Lucía (inolvidable), mi exposición a este género había sido bastante limitada, hasta que Mariali me abrió la puerta al flamenco, entreabierta hasta ese entonces. El flamenco tiene una serie de estilos de música (conté como 52 en la pagina de wikipedia...) que tuvo su origen y desarrollo en la región de Andalucía en España. Existen, de lo que pude ver, un montón de teorías sobre su origen, pero parece haber consenso sobre su origen gitano y sus influencias árabes, gitanas, judías, africanas y hasta americanas. Entre uno de esos datos curiosos me encontré (en wikipedia también), que la palabra flamenco es relativamente joven y que puede tener su origen en la expresión hispano – árabe fellah mengu, que ligada a gentilicio de la región de Flandes, de donde llegaron los primeros gitanos, podrían darnos pistas sobre su real origen.

Volviendo a Niña Pastori empezó en el flamenco a muy temprana edad, el mismísimo Camarón de la Isla la descubrió en Cádiz y gracias a la producción de Alejandro Sanz y Paco Ortega saltó a la fama con apenas 17 años. En este disco recopila varios de sus temas más populares, y es la secuencia de otro disco denominado “Joyas Prestadas” en donde interpreta covers de otros grupos de pop.

El estilo de esta cantaora es bastante amigable, en el sentido de que para las personas que quieren empezar a explorar este género, pueden encontrar en Niña Pastori una alternativa que fusiona de manera muy inteligente la tradición del flamenco con aires un poco más pop, que lo hacen de más fácil acceso. A mi me resultó de maravilla.

Este disco tiene unos temas interesantísimos. Cabe resaltar la participación de Sanz en el tema Caí, uno de los mejores del disco. Todas las canciones son excelentes, unos arreglos muy buenos y músicos de primera. No pude conseguir al personal que la acompañó pero basta escuchar la interpretación para darse cuenta que hay profesionalismo. Me gustó mucho el toque de Niña Pastori en este disco a un género que es del tamaño de una catedral, y que, desde mi punto de vista, se disfruta más aún viéndolo bailado. Gracias mi Mariali!
CRG

6.8.07

Charlie Hunter, Songs From the Analog Playground. Blue Note, 2001


Compré este disco como primer impulso luego de haber ido a su concierto en el Iron Horse. Huelga decir que la forma de tocar de este carismático guitarrista me impresionó. Tiene una energía que se contagia y es de los pocos artistas en vivo que he visto que no crea esa barrera con su público, por el contrario, aquel concierto fue como si nos hubiera invitado a casa a tomar cervezas mientras tocaba. Es conocido que en sus conciertos, permite que la gente haga grabaciones sin ninguna restricción.

La peculiaridad y virtuosismo de Hunter radica en el instrumento que toca: una guitarra-bajo de ocho cuerdas diseñada por el mismo, y claro, uno no comprende cómo le hace para tocar ambos instrumentos en una canción en un solo instrumento… Si, probablemente los confundí más, pero incluso mirándolo en vivo, uno diría que el tipo es un pulpo al lograr ese tipo de jazz. Además, jamás pensé que una pandereta podía lograr tantos sonidos inverosímiles en sus manos.

En este disco, Hunter juntó a su cuarteto integrado por John Ellis (saxofón), Stephen Chopek (bateria) y Chris Lovejoy (percusión). Además, decidió invitar a vocalistas con resultados notables: Mos Def, Norah Jones, Theryl de Clouet y Kurt Elling.

Mos Def, conocido rapero abre el disco con un scat en el tema Street Sounds. Luego, canta una de las canciones que más me gustan del disco. Creole, con un airecito que nos recuerda a So What de Miles Davis. Es una canción riquísima, en donde las interpretaciones de sus letras dan para mucho. Está también la versión del conocidísimo tema de Brian Ferry y Roxy Music, More Than This, que sencillamente es preciosa. Sea que gusten de Norah Jones o que prefieran pasar de ella, les recomiendo este tema, Hunter logró una versión preciosa de este clásico del pop. Pero el broche de oro y quizá la mejor canción del disco cuenta con la ayuda de la voz de Jones en The Day is Done. Es una canción con gran fuerza y mucho sentimiento, tanto en la interpretación de la música como en las voces.

Participa Theryl de Clouet, vocalista de la banda Galactic (muy buena, ya nos detendremos en ella próximamente) interpretando Rythm Music Rides Again y Spoonful en una onda soul bien rica. Completa el grupo de vocalistas Kurt Elling, miembro del equipo de Blue Note. No es de mis favoritos, pero hace un excelente trabajo (en gustos y colores...).

Y no se quedan de lado los temas instrumentales. Mitch Better Have My Bunny es genial, de esas canciones que se quedan en la cabeza de uno durante mucho tiempo y su tarareo se vuelve recurrente de forma inconsciente. No dejen de escuchar este disco, es una maravilla. Ideal para aquellos que se quieren iniciar en el Jazz y en la música de Charlie Hunter.

En Youtube me encontre un video que nada que ver, pero al menos se puede escuchar la canción When The Day is Done... http://www.youtube.com/watch?v=zV7mShEY9Eg
Y si quieren ver una muestra de cómo Charlie Hunter toca el bajo y guitarra al mismo tiempo en su instrumento de ocho cuerdas, ahí les va otro videito:
http://www.youtube.com/watch?v=ZWyiezH8KGo
CRG

19.7.07

Madlib: Shades of Blue. Blue Note Records (2003)


El hip hop no es de mis géneros favoritos, lo admito. La única vez que entré a un sitio donde lo ponían; acudí a varios Lagavulins para poder agarrar el ritmo de baile. De todas formas, reconozco que la pasé muy bien, pero pude concluir con conocimiento de causa que no era lo mío. Lo que se escucha por lo general a nivel comercial tiene letras de tinte social bien cargado, mas que nada denunciando temas de violencia urbana. Sin embargo, hay algunos artitas del género rap y hip-hop que indudablemente me encantan: Mos Def, The Sound Providers y Madlib. Ya nos ocuparemos en próximas ediciones de los primeros, pero quería detenerme en esta ocasión para reseñar uno de mis álbumes favoritos: Shades of Blue, de Madlib

El multifacético músico Madlib tiene su fama en el área del hip hop, y se le atribuyen grabaciones vanguardistas que han influenciado muchísimo en el medio, entre ellas el interesantísimo álbum The Unseen (que lanzó bajo el seudónimo de Quasimoto), aclamado por la revista Spin como uno de los discos más importantes del año 2000.

Blue Note, la afamada casa disquera y a mi parecer la más emblemática del jazz, llevó a cabo el proyecto de hacer remixes a varios temas clásicos de su repertorio de la mano de Madlib. Si, es cierto que a uno se le ponen los pelos de punta con la sola idea de que alguien meta mano en una pieza clásica de jazz (solo Miles Davis parecìa tener la autoridad para hacerlo en Doo Bop...). Y es cierto, para muchos, el hacer un remix de cualquier tipo de música, ya es una herejía del tamaño de una catedral.

Mi primer encuentro con este disco fue en la radio internet de Blue Note (se las recomiendo, me he encontrado con cosas maravillosas ahí). Escuché el tema Montara que me enganchó. Al pasar los días, pasaron otra canción y fue cuando me puse a buscar el disco (para que Blue Note le permita meter mano a alguien para hacer remixes de temas clásicos debe ser algo que realmente valga la pena). Es un disco excepcional. Madlib logra comprender bastante bien el espíritu de las composiciones de Horace Silver, Herbie Hancock, Wayne Shorter y Bobby Hutcherson entre otros.

Es un disco más orientado para fanáticos del jazz que estén abiertos a las miles de posibilidades que este género da. Los más ortodoxos probablemente lo odiarán, pero para el resto, se los recomiendo ya que da un nuevo aire a esos temas preciosos que Blue Note produjo para nosotros, y nos demuestra que la genialidad puede tener varias perspectivas para mantenerse viva. Es un disco que puede llamar la atención para aquellos que quieren iniciarse tanto en el jazz como en el hip hop. Mis canciones favoritas: Montara, Mystic Bounce, Sleeping Into Tomorrow.
En YouTube encontré el video del tema que abre el disco, Slim's Return. Esta buenísimo, con la onda de las portadas de los discos de blue Note: http://www.youtube.com/watch?v=hB2ir-I5vkk
CRG

4.7.07

Dave Matthews Band


Esta banda folk rock, originaria del Estado de Virginia, en Estados Unidos, inició su carrera en el año de 1991. La lidera el compositor y guitarrista Dave Matthews, acompañado por el excepcional baterista Carter Beauford, el saxofonista LeRoi Moore, el bajista Stefan Lessard y el violinista Boyd Tinsley. Sin ser un integrante oficial de la banda, encontramos como colaborador permanente en los teclados a Butch Taylor.

Tienen hasta la fecha 6 discos grabados en estudio y 7 álbumes dobles en vivo. Además, han completado un primer volumen recopilatorio. Se dieron a conocer con el disco Under the Table and Dreaming que incluyó el single What Would You Say. Posteriormente, lanzaron al mercado el álbum Crash que les lanzó a la popularidad con temas como Crash Into Me o So Much to Say.

Descubrí a esta banda como a casi todas las que he descubierto: por la radio. Durante la época en la que los escuché por primera vez, Dave Matthews Band, gozaba ya de una popularidad bastante notoria en los Estados Unidos, y el no toparse con una canción de la banda hubiera sido algo bizarro. Crash fue el primer disco que escuché con detenimiento, y me sorprendió el baterista, por su versatilidad y maestría. Mi canción favorita de este disco es #41 y el súper romántico y melancólico tema Crash Into Me.

Aparece en 1998 Before These Crowded Streets que alcanzó el número uno en las listas de popularidad en los Estados Unidos. En este trabajo, la banda se junta con el productor Steve Lillywhite quien los lleva por caminos más densos, teniendo como resultado un disco de gran calidad. Cabe destacar la participación de Alanis Morrisette, Bela Fleck y el Kronos Quartet.

Le sigue en el año 2001 el disco Everyday, de la mano del productor Glen Ballard. En este trabajo, se nota una inyección de pop (Ballard es un productor conocido en ese ámbito) lo cual dio a luz a comentarios varios entre los seguidores de la banda. Personalmente, creo que hasta este disco no supera a Before These Crowded Streets, pero tiene temas interesantes como Everyday y The Space Between.

Luego les seguirán los discos Busted Stuff y el último álbum en estudio hasta la fecha Stand Up. Busted Stuff tiene uno de los temas más emblemáticos de la banda que alcanzó niveles de popularidad impresionantes gracias a la canción Where Are You Going, que pude escuchar en radios ecuatorianas, lugar donde la banda es casi desconocida. En Stand Up hay mucha influencia de música tipo folk, lo cual lo hace un poco extraño a primera vista. Sin embargo, hay dos temas que me gustaron muchísimo, Hello Again y Dreamgirl. Dave Matthews lanzó también un excepcional álbum como solista que se llama Some Devil (2003), fuertemente recomendable. La canción Dodo es bellísima, pero las demás que integran el disco no se quedan atrás.

La banda también tiene una fuerte preferencia por grabar álbumes en vivo. Sus presentaciones son tan impecables como las grabaciones de estudio, y la energía de estos músicos en escena es inigualable. Si les gusta la música en inglés, recomiendo escuchar a la maravilla que es esta banda, ya que la calidad de arreglos, música y letras es excepcional.
CRG

11.6.07

METHENY / MEHLDAU


Este es un trabajo ampliamente esperado por todos los fanáticos del virtuoso del Piano Brad Mehldau y el maestro compositor y guitarrista Pat Metheny. Esta incomparable grabación en dúo se da con una total naturalidad, el acoplamiento entre estos gigantes del jazz da la sensación de que llevan años tocando juntos, pero no es así.

La primera vez que Pat Metheny escuchó hablar de Mehldau fue durante una gira con Joshua Redman, quien le comento a Metheny que acababa de escuchar un magnifico pianista al cual pensaba contratar para su próximo disco, y así fue.
Al poco tiempo de esto salió al mercado el disco de Joshua Redman “Moodswing” y Metheny escucho un tema en la radio de su auto, desde ese momento se sintió cautivado por el pianista de la grabación.

Después de coincidir en varios festivales de Jazz y entablar una amistad, los dos músicos deciden hacer un disco en colaboración, pero pese a lo que se pueda pensar, este disco fue hecho muy rápidamente. Metheny y Mehldau se pusieron de acuerdo en componer algunos temas para la sesión de grabación y tras un pequeño ensayo se realizó el disco.

De esta sesión de grabación se obtuvo material suficiente para dos discos. Este es el primero en salir al mercado. Consta de diez temas, de los cuales ocho son en dueto de guitarra y piano y dos mas son tocados en cuarteto junto a Larry Grenadier, el actual bajista de Pat Metheny trio y a Jeff Ballard baterista que a trabajado ampliamente con Brad Mehldau.

El segundo CD acaba de salir al mercado y consta de diez temas mas, en esta ocasión son siete en cuarteto y tres en dúo.
DCR

Jim Snidero The Music Of Joe Henderson


Este excelente CD grabado en New Jersey en Diciembre de 1998 en el estudio de grabación “Van Gelder” es una muestra del indudable virtuosismo de Jim Snidero. Pese a ser el saxofón alto su instrumento principal, Jim a sido por mucho tiempo un gran admirador del saxofonista tenor Joe Henderson y en esta grabación lo demuestra ampliamente.

Snidero graba ocho temas emblemáticos de Henderson, acompañado de seis de los más importantes músicos de Jazz con base en New York, Joe Magnarelli en la trompeta; Conrad Herwig en trombón; David Hazetine en piano; Dennis Irwin en el bajo y Kenny Washington en la batería.

Todos los temas son de una impresionante calidad, pero llama mucho la atención la versión con metales de Punjab. Las versiones de los clásicos de Joe Henderson Afro-Centric, Black Narcissus, Recorda-Me, e Inner Urge, son impecables.

Pese a que este graduado de University of North Texas, ha producido muchos discos y varios excelentes libros pedagógicos de Jazz, a mi parecer este disco debe ser uno de sus trabajos mas importantes, no solo por el excelente tributo que brinda a Joe Henderson, sino también por sus improvisaciones en donde muestra su dominio del be-bop y de los estilos contemporáneos de Jazz que los mezcla con total naturalidad.
DCR

15.5.07

Carla Bruni



Escucharla es enamorarse de su voz. Esta cantante, no contenta con haber sido una de las supermodelos mejores pagadas a fines de los ochentas, se retiró de las pasarelas en el 88 y se dedicó a la música. Su primer disco Quelqu’un m’a dit (2003) fue un éxito en Francia. Se lo puede definir como una experimentación que, como he leído en algunos sitios, es una de las expresiones más famosas del “folk francés”.

El disco No Promises (2007) incluye poemas ingleses clásicos musicalizados. Se trata de un proyecto interesantísimo. De su sitio web, pudimos conocer que para el mismo la cantante se tomó su tiempo y se asesoró con literatos que le permitieron respetar la rítmica y el sentido original de los poemas que escogió de Emily Dickinson, W.B. Yeats y Dorothy Parker, entre otros.

Carla Bruni tiene una voz extremadamente sensual, y los arreglos de sus discos tienen una belleza que reside en la simpleza, pero que dependen de su preciosa voz para que la idea cuaje. Si me piden escoger entre los dos, me quedo con Quelqu’un m’a dit, sin embargo, hay días en los que no puedo dejar de tararear At last the secret is out de su segundo disco. Definitivamente hay que escucharla, música de angelitos...
CRG

30.4.07

Rarefacción

Para comenzar, quiero mencionar que la foto que acompaña a esta reseña ha sido tomada del sitio web del grupo (www.rarefacción.com).
Rarefacción es un trío de jazz radicado en Quito. Está integrado por Toño Cepeda a cargo del contrabajo, Daniel Mancero en el piano y Andrés Benavides en la batería. Apenas vi el disco homónimo (2006) en la tienda me dio un gusto enorme. No lo he vuelto a ver, así que espero que sea porque se ha vendido su tiraje. Es el segundo trabajo de esta banda, siendo “Identidades” el primero, compuesto por Tadashi Maeda.
El disco me encantó. Su grabación se llevó a cabo en el Teatro Sucre bajo la batuta técnica en la mezcla y grabación de Diego Acosta, ganador de un Grammy en el 2005. Las interpretaciones de los músicos son impecables, y las versiones de los covers son preciosas. Las versiones de Que Lindo Es Mi Quito, Hyperballad, La Locomotora y Take On Me son una maravilla. De entre todas me quedo con Hyperballad, que tiene una fuerza rara de explicar, creo que Bjork se moriría de contento escuchándola. Y lo mismo harían Café Tacuba y A-Ha.
Los temas compuestos por sus integrantes son quizá lo más interesante del disco. Es obvia la calidad y la calidez de la composición, que van de la mano con la interpretación jalándonos hacia un sitio mejor mientras se escucha este disco. Asi que si lo ven, cómprenlo inmediatamente. Y sigo esperando al próximo disco de este trío... Tienen una canción basada en el tema del juego de video Mario Bros que es genial, y sigo recordando cuando la escuché en vivo en la Fiesta de la Música en el 2005. Rarefacción es uno de esos discos que lo dejan picado a uno esperando algún bonus track...
CRG

Nuevas reseñas en 220V Musica

De vuelta luego de una larga ausencia. Podrán encontrar reseñas de artistas ecuatorianos en la página de música de 220V ( www.220vmusica.co...